7月2日晚，纽约当地时间10：40，我们从位于百老汇大街的MajesticTheater（美琪大戏院）看完音乐剧《剧院魅影》出来，很多观众还流连未散，在剧院门口的几张巨幅海报前挨个拍照留念。
在那张最著名的面具海报下方，赫然写着：Broadway’s Longest Running Musical.（百老汇上演时间最长的音乐剧）——今年已经是《剧院魅影》在百老汇上演的第30个年头，它依然是百老汇最受欢迎、卖座率最高的剧目之一。
在街对面的剧院门口，散场出来的观众，纷纷在《长靴皇后》那大红色的长靴海报前拍照。被中国粉丝戏称为“宽街新贵”的《长靴皇后》，今年是登陆百老汇的第6个年头。
对上海的音乐剧爱好者们来说，这两部剧都并不陌生：早在2005年，《剧院魅影》就在上海大剧院创下了空前的连演100场的壮举，可见“魅影”之魅力无边。而今年7月11日至8月5日，《长靴皇后》则在上海文化广场，唱响又明快又傲娇的旋律，该剧也是迄今为止被引入国内最“年轻”的原版音乐剧。
从30岁的“魅影”，到6岁的“皇后”，一系列海外原版音乐剧，都在上海赢得了各自的粉丝和市场。以至于业内公认，如果国内要引进一部音乐剧，上海是最好的试水码头，没有之一。
但，上海的目标，当然不止于“码头”。上海旗帜鲜明地提出对标国际演艺中心城市，将上海打造成亚洲演艺之都。
而有伦敦西区、纽约百老汇的成功先例，作为多家资本方认为的“下一个50年中国文化产业唯一有商业化潜力”的现场娱乐类型，音乐剧毫无疑问是打响上海文化品牌、打造亚洲演艺之都的必选项目。在这方面，只做好“码头”是远远不够的，上海正在努力成为中国原创音乐剧的“源头”。
2002年，《悲惨世界》中国破冰之旅
中方说最多演5场，老外说免谈
很多第一次看音乐剧的观众热泪盈眶，他们只能用“天啊，真是太壮观了”来表达自己的观感。
作为上海大剧院第一批员工，现任上海大剧院总经理的张笑丁，参与了音乐剧《悲惨世界》从起意、谈判到正式上演的全过程。
早在1996年，上海大剧院在筹备开幕演出季时，《悲惨世界》就已经在节目联络计划当中，但谈判起来却困难重重。张笑丁清晰地记得前期谈判中一个数字方面的细节：大剧院方面咬咬牙跺跺脚，下了狠心，说那就来上海演五场吧，被外方直接回绝，“那谈也不用谈了，起码要20场打底”。
20场！这对当时的上海大剧院来说，几乎算得上是“天文数字”。大剧院开业的前两三年，再经典的演出项目，再知名的演出团体或个人，也不过卖三四场。
在谈判搁置的几年当中，世界三大男高音来了，十大著名芭蕾舞团来了，世界顶级交响乐团陆续登台，上海大剧院在海内外逐渐积累起了影响力和信誉度，深埋的音乐剧种子终于有机会破土而出。
经过又一轮长期而反复的磋商和谈判，上海大剧院与麦金托什公司正式签署《悲惨世界》引进合同，演出场次为21场。
之前普通观众听都没怎么听说过的“音乐剧”、前所未有的21场演出场次、高达1000万元的总投资额……作为海外原版音乐剧在中国的破冰之旅，《悲惨世界》来得可谓“如履薄冰”。
尽管有声势浩大的媒体宣传，但《悲惨世界》的前期票房并不理想。直到首演当日，出票率将将达到50%。当年很多业内人士调侃说：上海大剧院演完21场《悲惨世界》，它自己都要变成“悲惨世界”了。
晨报周到记者亲眼目睹了首演当晚《悲惨世界》燃爆全场的盛况。当高达舞台顶部的堡垒瞬间成型，当巴黎街战场面在舞台上呈现，当“I dreamed a dream”（我曾有梦）“Who Am I”（我是谁）、“Do you hear the people sing”（你可听到人民在歌唱）的歌声依次响起，很多第一次看音乐剧的观众甚至热泪盈眶，在演出结束后只能用“天啊，真是太壮观了”来表达观感。
在那个没有微博、没有朋友圈的年代，热情洋溢的媒体评价和观众口碑，使得《悲惨世界》的票房像滚雪球一样激增。首演之后一周，21场全部售罄，最后一场500元一张的门票在黄牛们手中涨到了2000元——这个涨价幅度之惊人，成为次日不少媒体的报道头条。
2005年，《剧院魅影》连演百场创记录
跨城观剧升温，辐射全国
“到上海，看原汁原味音乐剧”，成了最近十多年上海吸引文艺爱好者们的一大卖点，其热度不亚于明星演唱会。
即便后来卖起了加座、卖起了站票、卖起了“台阶座”，做完21场《悲惨世界》，上海大剧院也还是亏本的。原因很简单：演出场次太少，不足以涵盖总成本。
但是，《悲惨世界》带来的震撼，令音乐剧这种集演唱跳于一体、现场视听观感绝佳的综合性现场娱乐形式，从此进入中国观众的视野，也让国内各大剧场和演出公司，亲眼见识到了一部引进作品可以上演如此之多的场次。
其后大型音乐剧的原版引进，都是从30场起跳。
经过了2003年3月首演的《猫》的53场，2004年3月首演的《音乐之声》的35场，2004年底-2005年初，上海大剧院引进韦伯音乐剧《剧院魅影》，计划连演97场，实际成功演出了100场，上座率高达99%，创下中国近代演艺史上的多项纪录。
正是在《剧院魅影》演出期间，上海大剧院在国内率先推出“网上订票”和“网上支付”服务，开通半小时之后，就有江浙地区的网友购票成功。
从上海起步的音乐剧热，逐渐辐射到了整个长三角乃至全国。2006年，连演101场的《狮子王》热闹了整个夏天。上海大剧院还携《狮子王》的演员们前往杭州做推广，这是大剧院第一次走出上海滩，如此大规模地宣传一个剧目。
音乐剧市场的巨大潜力，直接催生了以演出音乐剧为主的专业剧场的出现。2011年，上海文化广场改建落成，剧场配备1949个座位，成为当时世界上座位最多的音乐剧剧场，也是国内首家音乐剧专业剧场。
开业至今，文化广场不仅先后引入多部来自美国百老汇、伦敦西区的经典大戏，还引入了法语音乐剧《罗密欧与朱丽叶》《巴黎圣母院》《摇滚莫扎特》，德语音乐剧《伊丽莎白》《莫扎特》等相对小语种的音乐剧，开拓了法语、德语音乐剧在中国的潜在市场。今年，还将有西班牙语原版音乐剧登陆文化广场的舞台。不同语言、风格原版音乐剧的引入，大大拓宽了音乐剧观众的观剧视野和审美趣味，推动了音乐剧在中国的多元化发展。
“到上海，看原汁原味音乐剧”，成了最近十多年上海吸引文艺爱好者们的一大卖点，其热度不亚于明星演唱会，而且这一吸引力还在继续增加当中。
2016-2017年，市场巨幅震荡
观剧局限“四大”，市场需要扩容
中国绝大多数观众还没有形成积极‘尝鲜’的习惯，这点跟百老汇特别不一样，百老汇通常是一个新剧上演了，大家都愿意先去看。
随着越来越多部引进音乐剧的上演，中国音乐剧市场的特色也逐渐显现。中国观众尤其偏爱“经典”和“熟悉”，《猫》第三次来到上海依然票房爆棚，但有许多在欧美反响热烈但上演时间不长的剧目，在中国却遭遇“水土不服”。有些在欧美只能算“普通”的剧目，比如都没有成为百老汇驻演剧目的《人鬼情未了》《保镖》，却因为同名电影在中国的家喻户晓，收获了惊人的高票房。
反映在数字上，目前还是以引进剧目为主的中国音乐剧市场，也并非一路上扬。2015年，在《剧院魅影》《人鬼情未了》的影响下，整个中国音乐剧市场出现大幅增长。
但到了2016年，虽有《罗密欧与朱丽叶》《窈窕淑女》等引进剧目，但其知名度和演出场次都相对较少。根据道略演艺产业研究中心的数据，当年全国音乐剧票房收入1.74亿元，比2015年下降23%，观众数量则下降21.4%。
2017年则又发生反转，成为中国音乐剧市场“大年”。
文化广场副总经理费元洪直言不讳：“经过了将近20年的市场培育，中国确实出现了一批音乐剧核心观众，但必须得承认，音乐剧对大众的粘附力还是比较低的。在全民层面来说，并没有形成对音乐剧有普遍认识、有经常观剧习惯的群体。经典剧目来了，大家都认，那就去看；有些新剧之前都没听说过，那就不认。因为中国绝大多数观众还没有形成积极‘尝鲜’的习惯。这点跟百老汇特别不一样。”
正在文化广场上演的《长靴皇后》，就是一部“陌生剧目”。引进方、上海华人梦想文化发展有限公司总经理田元表示，所谓“经典”毕竟只是少数，“只有更多优秀的作品进来，才可能改变观众的思维定式，让观众知道音乐剧本身是非常多元化的。中国的音乐剧要走产业化道路，就必须经过市场扩容的过程。”
2018年，“变”成为市场主题
粉丝经济现端倪，现场娱乐网络特色
网络的便利让年轻观众随时随地可以知道在百老汇、在纽约西区发生了什么，就跟他们关注好莱坞或者NBA一样，这与传统意义上的音乐剧观众已经不一样了。
在采访过程中，张笑丁、费元洪都提到，音乐剧在中国的发展，与互联网的迅猛发展几乎同时，包括音乐剧在内的各种休闲娱乐方式，都面临着一个共同的对手：网络。
在数字化、移动化娱乐流行的当下，现场娱乐的前景到底如何？世界上最大的现场演出娱乐公司之一——倪德伦（Nederlander）环球娱乐公司总裁小罗伯特·倪德伦对此持积极乐观的态度。倪德伦先生表示，不管在线娱乐如何发展，现场娱乐的临场体验感都是无可取代的。从形式上来说，未来演出业的各个配套产业如售票、场内服务等，都有可能被数字化产品所代替（或者已经代替）；但从内容上来说，观众和表演者之间共同体验的2-3小时，“并不会有本质的改变”。而作为最综合、最高端的现场娱乐形式，音乐剧毫无疑问是未来剧场的重要选择。
倪德伦先生同时表示，网络直接拉近了中国与百老汇的距离。“过去的百老汇剧目是进入中国之后，才被中国观众知道的。但现在，网络的便利让中国观众随时随地可以知道在百老汇、在纽约西区发生了什么，就跟他们关注好莱坞或NBA一样，这与传统意义上的音乐剧观众已经不一样了。”
2018年1月2日，法语音乐剧《摇滚莫扎特》在文化广场上演，成为国内音乐剧市场名副其实的“爆款”。购票者除了来自中国各地，还有来自日本、韩国的海外粉丝。
费元洪如此分析《摇滚莫扎特》目标受众群，“年龄集中在35岁以下，90%以上都是女性观众。他们看过视频，被这部剧的服装、舞美、唱腔征服，然后慕名来看现场。但对于这个化烟熏妆、穿朋克服的莫扎特，传统音乐剧观众可能就不会喜欢。”
上海市演出行业协会副会长马敏辉说，从2002年的《悲惨世界》到今年的《长靴皇后》，中国音乐剧观众走过了西方走了半个多世纪、起码是三四十年的道路，并且正在迎来转型。“《摇滚莫扎特》的爆棚释放了一个信号，唯经典论的音乐剧观剧习惯已经过时，新一代观众既有音乐剧的鉴赏能力，又要追求互联网时代的观演享受。”
2019年，《犹太人在上海》登陆百老汇
有原创才能成“源头”
中国观众的欣赏水平突飞猛进，要是我们再按1990年代的音乐剧范式，做得再好，还能好过《剧院魅影》吗？
潜力巨大的中国音乐剧市场，光靠进口显然是不够的。上海已经成为中国的音乐剧“第一码头”，但要成为输出优秀剧目的“源头”，海外音乐剧改编中文版和原创音乐剧的推出，尤其是后者，至关重要。
《妈妈咪呀！》《猫》《音乐之声》等剧目，都曾被改编成音乐剧中文版上演，也为中国音乐剧演员打开了职业化之门。而与原版音乐剧本土化的时有亮点相比，截至目前，能够获得专业和市场认可的原创音乐剧，可以说寥寥无几。
文化广场已经连续7年举办“原创华语音乐剧展演季”和上海之春国际音乐剧发展论坛，对中国原创音乐剧提供了强大支持。费元洪告诉晨报周到记者：“中国原创音乐剧面临的最大难题，就是专业人才稀缺。从编剧、作词、作曲，到演员，到舞美、灯光设计，再到推广运营，整个产业链条的每个环节，都缺专业的人。当然，我们也越来越认识到，中国文化是独特的，中国原创音乐剧肯定也不会是照搬百老汇模式，一定要有我们自己的特色，但这个特色，需要逐渐摸索。”
张笑丁提及，当年韦伯在《剧院魅影》上演期间来沪，上海大剧院的工作人员问他：对一部成功的音乐剧来说，最重要的因素是什么？“韦伯的回答非常简单：故事，故事，故事。音乐剧首先是剧，要讲好、讲完整一个故事。事实上我在看原创音乐剧时，经常不知道编剧到底要讲些什么。讲好中国故事，这应该是对原创音乐剧的基本要求。”
在著名戏剧导演徐俊看来，音乐剧对故事类型的要求还非常严格。“什么样的故事适合做成音乐剧，当然没有一刀切的标准。但通常来说，这个故事里要有典型人物，有爱情，有死亡，有悲情场面，有强烈冲突，剧中人物需要通过演唱来抒发强烈的情感。”
事实上，很多原创音乐剧还请来了百老汇资深从业者的助力，但效果并不理想。马敏辉分析认为，中国音乐剧从业者的认知，还普遍停留在“四大经典”的层面，这些信息和技术当然重要，但已经远远不能满足现代观众的欣赏眼光。
“其实从1990年代末开始，欧美观众对百老汇音乐剧机械化、商业化的运营也产生了厌倦，这也促使音乐剧工作者开始求新求变。2015年大热的美国嘻哈音乐剧《汉密尔顿》就非常典型，它突破了我们知道的所有音乐剧范式。中国观众的欣赏品味突飞猛进，要是我们再按照1990年代的音乐剧范式，做得再好，还能好过《剧院魅影》去吗？我们要掌握制作经典的技术，但思路上必须求新。”
2017年11月，中国原创音乐剧实现了“零”的突破：由徐俊导演的《犹太人在上海》与倪德伦公司签约，即将于2019年登陆百老汇剧院，成为中国首部“出海”的原创音乐剧。
应倪德伦公司要求，《犹太人在上海》在百老汇上演时将更名为《微光》。但毫无疑问，这部由上海民营企业——恒源祥戏剧公司制作的作品，将在百老汇大街闪亮登场，让全世界看到中国原创音乐剧的第一道光芒。
《凝聚每一束“微光”，才能集起文化品牌之“强光”，上海，大有潜力 | 海上风来》
来源：周到上海 作者：孙立梅
